El trabajo del crítico es sencillo en más de un sentido. Arriesgamos muy poco, y sin embargo usufructuamos de una posición situada por encima de quienes someten su trabajo y su persona a nuestro juicio. Prosperamos gracias a nuestras críticas negativas, que resultan divertidas cuando se las escribe y cuando se las lee.

Pero la cruda verdad que los críticos debemos enfrentar es que, en términos generales, la producción de basura promedio es más valiosa que lo que nuestros artículos pretenden señalar. Sin embargo, a veces el crítico realmente arriesga algo, y eso sucede en nombre y en defensa de algo nuevo.

Anoche experimenté algo nuevo, una comida extraordinaria hecha por alguien único e inesperado. Decir que esta peli y su director pusieron a prueba mis preconceptos equivaldría a incurrir en una subestimación grosera, cuando lo cierto es que ambos lograron conmover lo más profundo de mi ser.

Antes de este suceso, nunca escondí mi desdén por el lema del film “¿cómo lo supiste? me fascina esta canción”. Pero, me doy cuenta, recién ahora comprendo sus palabras. No cualquiera puede convertirse en un gran artista, pero un gran artista sí puede provenir de cualquier lugar.

1000000000000000/10

Deidad Colors >>> el arte entero

Siempre tuve razón... Siempre.

Vamos a ver cuánto tardan en salir ahora.

1/10.

Jodorowsky es alguien bastante controversial a la hora de expresar su visión de la vida en el arte. Sus obras se han caracterizado por el tiempo como obras bizarras, surrealista, y ante todo muy perturbadoras. Es entendible, ya que durante mi trayectoria viendo sus filmes no pude ver mucha riqueza en su contenido. Santa Sangre es una película que podríamos denominar como un "Midori la niña de las camelias" pero enfocándose en la crítica social, sin dejar de lado lo edgy, y The Holy Mountain es una clase de historia sobre la civilización humana cargada de simbolismos abstractos, nuevamente siendo un festival blasfemo de degeneración. Ambas pelis tienen el mismo problema de ser más el espectáculo que el desarrollo, se centran más en ser transgresoras que en ser pelis inteligentes, por lo que realmente no son buenas películas. Luego de ver esas pelis y llevarme una visión rotundamente negativa de Jodorowsky como cineasta, me digne a ver una más de él: El Topo.

El Topo es la película más interesante de toda su filmografía, no buscando ser tanto un espectáculo bizarro en un inicio, si no que enfocada en tener una trama más firme y poseer un arco del héroe. Siendo está su película más apreciada por gente que yo suelo tener en cuenta, estoy aquí para expresarme un tanto en desacuerdo con las alabanzas que se lleva este filme, y para explayar el porque de mi desagrado.

El Topo narra la historia del Topo (válgame) un pistolero que busca alcanzar el estatus del Maestro del revolver, y para ello deberá de asesinar a todos los pistoleros que posean el título de Maestros del revolver. Cómo podrán ver la historia es muy atípica para ser un Western, ya que vemos como la obra posee cargas mesiánicas a lo Dune con su protagonista. En esencia la idea del maestro del revolver es una alegoría de la elevación espiritual, aquellos que debe de asesinar el topo son personas que han alcanzado lo que en el budismo se conoce como iluminación. En contraposición a esto el Topo es alguien dominado por lo que se conoce como "El Ego", pues es alguien material, incapaz de vivir más allá del mundo tangente. Su búsqueda de la iluminación no está motivada por razones espirituales, si no que egoístas y por poder, pues el Topo se ve influenciado por su ego y una mujer que simboliza al diablo/la oscuridad, lo que en el budismo se conoce como Mara, el nombre que justamente lleva la mujer que influenciara negativamente su viaje espiritual con tentaciones carnales y pecados.

Todo lo anteriormente dicho suena más que bien en papel, pues tiene los elementos que a mí me suelen gustar de un filme, sin embargo ya desde este punto comienzan a salir a la luz algunos problemas que tiene la historia. Mi problema con el personaje del Topo es que más que un personaje es una idea, pues durante la obra se buscará deconstruir su arco de personaje para ser una clase de subversión del camino del héroe. Nuevamente, la idea es buena, pero en ejecución la peli hace demasiado distante al personaje del Topo para que pueda sentir algo por él. Su caracterización es reducida únicamente a su visión egocéntrica, no hay mucho más que sacarle al personaje durante la primera mitad del filme, puesto que es un personaje reactivo a la trama en donde solo se mueve con el único objetivo de matar a los maestros del revolver. Fuera de él que podemos decir es el único personaje con una motivación definida, los demás personajes durante toda la obra son únicamente ideas, no personajes reales como tal. Es algo pobre la ejecución de estos, y se basa de lleno en el manejo visual y alegórico más que otra cosa.

Hasta aquí la primera mitad del filme creo que es una peli destacable, con muchos tropiezos en lo que respecta producción y montaje, pero con una identidad bastante remarcada. Esto es algo que si debo de destacar del filme, y es que no es pretencioso como se suele decir. El manejo simbólico de los visuales es bastante destacable, puesto que Jodorowsky logra construir una buena coherencia narrativa con sus elementos más esotéricos, junto a una trama más formal en el Topo, algo que no logra en sus filmes posteriores como Santa Sangre. Todo este trabajo relativamente destacable se ve presente en la primera mitad, una vez que el topo asesina a todos los maestros del revolver se da cuenta de lo insatisfactorio que fueron sus actos y debido a una serie de infortunios es rescatado por un grupo de deformes dando comienzo a la segunda mitad de su arco de personaje, y es aquí cuando comienza el filme a desinflarse.

La segunda mitad del Topo es sencillamente mala. El Topo conoce a un grupo de personas deformes qué se encuentran atrapados en una cueva, con los que rápidamente se encariñan ya que ellos lo ven como una clase de Dios. El Topo comienza a ver por alguna razón que nunca se explica un valor en este grupo de personas decide ayudarlos a salir de la cueva para que puedan ser libres. Paralelo a esto, cerca de la cueva hay un pueblo matriarcal ocultista controlado por mujeres obesas que manipulan a la población con hedonismo y juegos de muerte. Desde aquí el filme tomara un rumbo mucho más directo y menos onírico, en el sentido de que al parecer a Jodorowsky se le fue de las manos la sutileza y comienza a ser demasiado obvio, digo, ¿Cuál se supone es el punto de todo esto? Supongo que más de uno me dirá que las mujeres representan a las sociedades ocultas del mundo, o como los deformes representan a los enfermos. Mi problema con estas interpretaciones es que están sustentadas en base a que la pelí nunca concreta una idea con estos paralelismos. La primera parte era entendible ya que sus simbolismos aluden a pensamientos budistas, pero la segunda mitad es simplemente una fumada desprolija de Jodorowsky sobre sociedades ocultas sin pie ni cabeza.

El personaje del Topo también es totalmente reescrito aquí, ¿por qué le interesa salvar a ese pueblo? Nunca se nos explica sus razones más allá de que fue ayudado por ellos, de la nada este pueblo lo venera y decide querer liberarlos cual mesías. Ok, puede ser, pero se siente tan sacado de la nada está segunda mitad que cuesta hasta verle una relación con la primera. No sé entiende por qué carajos el Topo decide volverse una clase de bufón para el pueblo de esos degenerados, supongo que para ayudar al pueblo de deformes a salir de la curva, cosa que ya veremos no sirvió de nada, entonces cuál era el punto de todo esos momentos bizarros. Los defensores de esta peli me dirán que es muy inteligente, pero es que Jodorowsky me tiene que poner a gente manipulada por gordas unidimensionales que los controlan para que se apunten con una pistola mientras actúan como animales en círculo para darme a entender su punto, ¿Dónde está la sutilidad e inteligencia del filme que tanto alaban?

Una vez que el Topo termina sus actos de "bufón" en el pueblo, logra liberar a los deformes atrapados en la cueva. El paralelismo con Moisés es más que claro viendo cómo el topo se sacrifica para poder darle la libertad a un pueblo. Todos los deformes bajan por la colina, y al llegar al pueblo son todos asesinados porque son vistos como monstruos. ¿Cuál fue punto de liberarlos? Supongo que el filme busca construir esta narrativa de que la libertad no existe, somos todos víctimas de un grupo de personas dosificadas, y bla bla bla. Puedo respetar esta clase de lecturas en una obra que muestra justamente el evento como una tragedia, pero es que la pelí se fumo casi una hora de toda su duración en pura paja bizarra sobre los actos del Topo solo para que al final no valiera nada, para qué mierda me haces perder el tipo con relleno, es sumamente insultante esta forma de trasmitir el punto porque no solo es extremadamente cínico por serlo, si no que además en retrospectiva le quita peso a las acciones del Topo y su "maduración espiritual"

El topo una vez que presencia como todo los deformes fueron brutalmente masacrados decide asesinar al pueblo por sus actos, y luego de matarlos a todos se prende fuego en un acto "simbólico", cerrando su arco de personaje de la mejor forma que puede hacerlo Jodorowsky: contradiciendo todo el maldito desarrollo. La peli estuvo durante toda la primera mitad mostrando el ego del Topo como algo a superar, una vez que lo hace decide fungir de Mesías salvador con un grupo de personas random, y por último los venga para terminar matándose. Nuevamente la peli deliberadamente se auto sabotea con un final que manda al carajo todo lo que se construyó con sus personajes. Las interpretaciones a este final van de mal en peor, porque si el punto de todo era matar a ese grupo de personas porque se lo merecían, entonces solo estás dándole la razón al Topo de la primera mitad que creía tener el poder de decidir sobre la vida de los demás, si esa fuera la interpretación sería nefasta moralmente, y si la interpretación de la escena final es sobre como el Topo cae nuevamente en el pecado y por eso decide prenderse fuego pues también creo que es un final de porquería al quitarle peso a su aprendizaje sobre valorar la vida. El final es sencillamente desastroso, destruye totalmente el arco de sus personaje y las pretensiones del filme, completamente decepcionante.

La película en si es realmente extraña moralmente debido a que su conclusión es ambigua. Por un lado pareciera crear una historia sobre redención, pero al final el Topo manda al carajo todo lo aprendido matando a un grupo de personas que son basura, y la película le da la razón en sus actos debido a la masacre del pueblo de los deformes. Obras como Taxi Driver también tienen un manejo moral similar, donde uno puede empatizar con Travis debido a la podredumbre de la sociedad norteamericana de los 70, pero la película también es clara al mostrar los trastornos mentales que posee Travis y nunca lo justifica. Aquí el Topo es simplemente reescrito y moldeado a conveniencia de la película para ser una vez más, y como es común en la filmografía de Jodorowsky, más el espectáculo bizarro que la exploración. Así que sí, considero a la película más un estilo sobre sustancia donde lo perturbador prevalece por encima de sus aspectos más inteligentes, lo cuál no es mucho decir teniendo en cuenta el montaje un tanto cutre del filme, y lo pobre que es en valores de producción. Banco su uso simbólico, pero no tiene un trabajo fotográfico o actoral que destaque demasiado.

Dicho todo esto, y viendo que la balanza parece irse más por lo negativo, diré que el Topo es una película que pese a todo me gusta. Es un Western realmente atípico y con una fórmula a la hora de construir su trama muy interesante. Valoro que buscará ser una subversión del arco del héroe concluyendo este a la primera mitad y teniendo una clase de epilogo en la segunda. Si bien diría que arranca como una peli sólida, se desinfla para el final y se vuelve realmente mediocre, para luego destruirse a pedazos en un final de porquería que contradice todo lo anterior visto. Considero que películas como Unforgiven manejan de una mejora manera la desconstrucción del arco del héroe, y Once Upon a Time In The West maneja un cast mejor trabajado, un mejor Worldbuilding y una conclusión más acertada. Definitivamente es una película ambiciosa, y no es tan descerebrada como los otros proyectos de Jodorowsky dónde el tipo hace gala de su perturbadora mente a la hora de hacer alegorías explícitas y de mal gusto, pero el Topo igualmente sigue siendo más un circo de basura degenerada que se pierde en el camino de lo que pudo ser una gran historia. No es una buena película, ni siquiera pasable o mediocre, y por eso solo puedo decir que la película es en su totalidad potencial desperdiciado.

Nota: 4/10.

Vi esta película porque me generó cierto interés de ver cómo se buscaba plasmar una civilización exactamente como la nuestra pero con un avance espiritual superior al nuestro, el resultado; una película sumamente olvidable, que no conoce nadie, y que está plagada de ideas propagandísticas.

La obra cuenta la historia de un grupo de personas que luego de una guerra civil dada por una clase de "despertar espiritual" (o algún mambo místico del estilo) decidieron deshacerse de todo lo que la directora de la pelí clama como dañino; autos, teléfonos, televisores, microondas, y demás productos electrónicos. Es aquí cuando la película saca a relucir su aspecto más ideológico, y es claramente uno de lectura pagana en donde se condena cualquier avance científico, y proclama una lectura cuasi-paleolítica de la realidad. Expliquemos un poco a que me refiero.

La película nos obliga a creer en un axioma donde supuestamente está raza alienígena son sumamente avanzados porque lograron elevarse espiritualmente debido a su conexión con la naturaleza y la vida, no voy ahondar en aspectos sobre lo que uno quiera creer o no, sinceramente me parece absurdo todo el tema de los poderes teletineticos, pero suponiendo que tuvieran sentidos creo que el clavo en el ataúd es que la pelí es errada y sumamente sermonera en su intento de sátira. Nos dice al espectador cosas como está raza de gente son sumamente avanzados porque conectan con la naturaleza y viven en armónica con ella (no comen carne, algo natural, pero supongo no iba de acordé a la agenda de la directora este punto), y sin embargo no tiene sentido desde una base lógica, ¿Me estás diciendo que esa sociedad vive más que nosotros por medicina casera? Yo no sé si la directora vive en una cueva o algo, pero lo que alargó nuestra vida fue el avance de la medicina moderna gracias a la tecnología, no por hiervas mágicas, abrazar bebés o poner los pies en el agua. Toda su base narrativa es sumamente errada y espera que nosotros como espectador nos traguemos esa chorrada de "la naturaleza nos hace bien, y todo lo demás es basura", claro porque por ejemplo ser seres pensantes y políticos está mal supuestamente, ¿Qué clase de basura neo-anarquista pagana es está cosa?

Omitiendo el hecho de lo sumamente errada que es en su mundo debido a que la propia naturaleza del ser humano contradice esa representación de libre albedrío que plantea la película, pues también está el hecho de que es sumamente Creepy que está gente le lave el cerebro a las personas. Estaba esperando que la comedia residiera en que está gente avanzada tuviera que solucionársela con la gente (nosotros según la directora) atrasada social y espiritualmente, pero siempre que la película parecía comenzar a tener un conflicto se solucionaba con lavado cerebral. Fue tan decepcionante que todo el conflicto del bebé se solucionará de esa forma. Y además, esto es sumamente desagradable, porque se supone que en varias creencias paganas el despertar espiritual es un proceso de auto descubrimiento que tiene que uno pasar por cuenta propio, pero aquí directamente los personajes fuerzan a la gente a "despertar", volviéndolo sumamente contradictorio y hasta manipulador que el recurso se presente de esa forma. Puedo entenderlo que lo hagan con la caricatura de los políticos, ¿pero por qué con los músicos o jugadores de fútbol? Es sumamente desagradable y aterrador el poco respecto a la integridad mental del individuo que tiene está película.

Por si no fuera poco esta cosa tiene cierta bajada ideológica clara, porque la pelí está todo el rato recordándote como la civilización moderna del hombre blanco es malvada y bloquea al individuo de su alma, cosa diferente cuando en cierto momento de la película los hijos de la protagonista conocen a una tribu indígena con los que conectan rápidamente debido a la "supuesta" conexión con la naturaleza que poseen ellos a diferencia del hombre blanco. Claro, no es como que esa gente no tenga ideologías políticas, se maten entre ellos o busquen el poder de las masas. Supongo que la directora solo quería mostrar a los blancos como los malvados y apantallar con besos en la cancha de fútbol que en hacer un punto gris e imparcial. También es ciertamente difusa la línea que buscar marcar la directora con lo que está bien o mal, porque la música por ejemplo le parece correcto, pero omite el hecho de que los discos musicales existen para los reproductores de CD, ¿por lo que eso está mal o bien? No lo sé, la peli ni se molesta en marcar esa diferencia.

Al final no hay mucho que destacar fuera de lo dicho. Los personajes son sumamente planos y son voceros de las ideas paganas de la directora que incluso llega al punto de decir que Jesús es del mismo planeta que ello. El setting tiene un base mística/espiritual que jamás se desarrolla, y el mundo es poco plausibilidad basado en las reglas de la obra. Tiene algunos aciertos como el querer criticar el avance de las armas nucleares o las farmacéuticas, y su mensaje sobre apreciar a la familia con el personaje del doctor me pareció lindo, pero es un caso en donde la ideología de la autora se comió por completo la película. Así que supongo que eso es lo que tiene para ofrecerme está película francesa olvidada con el tiempo; mucho sermoneo sobre los males de la raza humana (en especial el hombre blanco), y una burda sátira hipócrita sobre la (no) superioridad espiritual del planeta verde.

Nota: 2/10.

no se, no lo jugué, pero todo el mundo le esta tirando mierda asi que ya fue jaja 10/10.

Review must be at least 100 characters long
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Me gusta las cebollas

Gainax como estudio de animación siempre fue arriesgado con sus propuestas, y esta serie no es la excepción de esa regla, ya que hablamos de una serie que originalmente duraría más que solo 6 capítulos, pero se redujo para poder realizar una serie con tanta locura y estilo como lo es FLCL. Una serie que utilizo su presupuesto al máximo con la puesta en escena y su apartado artístico.

La obra narra el día a día de un joven llamado Naota, que su vida toma un cambio repentino con la llegada de Haruko, una alienígena del espacio que tras atropellarlo con su moto golpea a Naota con un bajo eléctrico y del golpe en su cabeza salen cosas como un robot... Sí, esa es la base en la que FLCL desarrolla una historia, una fumada sin pies ni cabezas (o quizás sí). El caso con flcl es que es una historia que vista desde lo superficial no tiene sentido alguno, pues está llena de basura como sexo, chistes sexuales por doquier, referencias otakus, rock desenfrenado y peleas locas que parecen apantallar al espectador, pero entrelíneas hay temas como el madurar y los males de la vida adulta. Esto es lo que hace a FLCL tan especial, pues si bien en términos de plausibilidad es un desastre, pues es una serie que se debe ver con un enfoque más alegórico que literal con su propuesta, hablemos sobre eso.

Naota es un chico que vive a las sombras de lo que es una figura adulta; su hermano, ya que su padre es un pervertido del cual no puede tener como referente. El punto de la serie va sobre eso, sobre los adultos y qué es realmente madurar, pues tenemos una gran cantidad de personajes que van por esa línea, como el caso de Mamimi que es una chica que vive a la sombra de su ex, ¿Notan el patrón? Flcl es una obra sobre personas tratando de encontrar su identidad con los demás, pues viven de estándares de otros que consideran superiores. Todo esto es presentado a través de metáforas visuales como las figuras fálicas (representando el despertar sexual de nuestro protagonista, basado en como los adultos de la obra son en su mayoría pervertidos), el fuego que se utiliza como modo de escape del pasado o los instrumentos musicales, que si bien esto se hizo en principio por una cuestión comercial basado en la producción en la que participó la discográfica King Records, pues se utilizó como una manera de mostrar la adolescencia y su rebeldía.

La esencia de FLCL es eso: rebeldía. Es una obra que busca romper las estructuras convencionales de como contar una historia, y es lo que hace tan especial y única, ¿Pero eso la hace buena serie?... Bueno, más o menos, digamos que es una obra que se pierde en su intenciones de ser tan alocada. Empezando por los personajes, estos no tienen mucha participación activa fuera del caso de Naota y Haruko, y está última no es un personaje que posea un arco de desarrollo, ya que al final solo es una herramienta catalizadora de Naota, es como tener un Kaworu por 6 episodios seguidos, no termina beneficiando a la serie un personaje así de pobre. Por otro lado, Mamimi es un personaje un poco mejor logrado, carece del mismo nivel de trato que se le da a Naota con su identidad y maduración, pero está bien como una forma de ver el remplazo y al menos podemos deducir que su partida es por un bien con su persona, aunque deje en el aire algunas dudas en su arco de desarrollo como su relación con Naota, la cual queda en nada. Los demás personajes funciona para Naota cómo el caso de Amarao (una versión adulta de Naota que no maduro) o Ninamori (una chica inmadura que oculta dicha falta de maduración con apatía hacía Naota), pero sus arcos se reducen a ser complementos de Naota o ser chistes sexuales, de hecho podemos hasta decir que Naota tiene su pequeño Harem con Mamimi, Haruko y Ninamori, todas presentando en diferentes medidas atracción por él (las típicas pajereadas de Gainax).

El director de la serie, Kazuya Tsuramaki, pensó está obra como una carta de amor a la animación, pues está plagada de referencias a otras series, de hecho hasta hay una secuencia referencial a una de las primeras animaciones del estudio Gainax, Daicon IV. Más sin embargo, y en palabras de él mismo la trama de flcl no importa, y pues razón no le falta, ya que en términos de construcción la serie es malísima, debido a que vista de una forma literal está llena de conveniencias, sacadas de culo y Plot-holes enormes. Nada tiene sentido, y uno debe suspender su sentido de la credulidad para dejar pasar que los conflictos se solucionan por una guitarra o porque justo Naota se saca un poder de la nada para salvar la situación, esto es lo que hace que el conflicto pierda fuerza y la tensión se vaya al carajo en la serie. Uno acepta esto porque no busca ser la intención de la serie, pero es algo pobre si la comparamos con otras obras, y termina restándole punto a la historia debido a que carece de mayor complejidad en su narrativa y solo se reduce a ser mero especuló artificial, es por esa razón que jamás me importó el meteorito o la batalla final, pues sabía que la serie solucionaría el tema de una forma absurda, y solo se reduce a ser alegorías.

Por consiguiente el mundo es una excusa, jamás posee una base sólida y se basa exclusivamente en la forma en que los personajes lo aprecian. No hay mucha indagación en esto, y se sustenta más en una forma satírica de presentar a su sociedad como aburrida, parecido al mundo de KND: los chicos del barrio, con todo esto de la creatividad muerta, en ese sentido es funcional para la obra, vacío en un sentido de desarrollo, pero aporta a la temática general.

En base a lo que mencioné del mundo y su creatividad visual, pues ahí es donde más resalta FLCL. La paleta de colores es hermosa y con tonos adecuados relacionados a los sentimientos de los personajes y sus emociones, como lo son los atardeceres melancólicos con colores rojizos, las expresiones con planos como la escena donde Naota mete a su padre en su bañera y podemos ver el terror en su rostro, y los diseños son todos carismáticos y poseen características destacables que dan juego al humor de la serie como las enormes cejas de Amarao. El humor es otro aspecto que se ve beneficiado de lo visual, digo ¿Quién no ha visto esa secuencia de Mamimi impactada cuando Haruko está a punto de hacerle respiración boca a boca a Naota? Es simplemente tan graciosa y esto mismo vuelve de cierto modo entrañable a sus personajes por interacciones simples como esas debido a cómo la serie te las presenta como si fueran eventos fuertes y dramáticas. Es como una telenovela con dirección exagerada y exaltada, solo que aquí funciona porque tanto el contexto y los personajes se prestan para ellos.

La cosa con FLCL es que, a pesar de una dinámica de personajes en donde todos se complementan temáticamente y funcionan, pues ninguno llega a ser tan fuerte en un sentido de complejidad, y como obra pierde fuerza en comparación a otros coming of age. Veamos por ejemplo el caso de la relación de Naota y Haruko, esta funciona para el arco de Naota, pero para Haruko no, pues ella es estática en su desarrollo durante toda la obra. Distinto de por ejemplo algo como Good Will Hunting, en donde en esa obra la relación del joven genio pero inmaduro Will Hunting, y el adulto con experiencia Sean Maguire poseía una complejidad mayor en cómo la obra caracterizaba sus falencias y crecimiento como personas, mientras que en FLCL la mayor parte del tiempo lo está utilizando en momentos cómicos antes que en desarrollar su temática a profundidad. Y no está mal que la obra solo aspire a eso, solo que en esencia es más el estilo que la sustancia y termina por ofrecer una lectura temática más simple de lo que se piensa.

FLCL es una obra que se siente. Antes que ofrecer una tesis de su temática compleja y profunda, es una obra simple y al punto pero con tanto estilo y honestidad que es imposible de odiar. Uno sencillamente se ve inmerso en ese mundo lleno de creatividad que se pierde en sus colores, música y personajes. Pienso también que esto último es lo que hace que varios tomen a esta obra como excelente o hasta una obra maestra de su medio, y si bien no soy quién para juzgar que hace sentir una obra al espectador, pues si debo mencionar que la obra dista mucho de otros coming of age mucho más profundizados, y que la mayoría suele elevarla por valoraciones personales antes que por una razón más definida con la obra. Al final su punto más fuerte es lo visual, y lo original que es por ello, así que mi visto bueno se lo lleva, ya que aún sin parecerme una gran serie, es una obra única de su medio y merece su reconocimiento por ello.

Nota: 7/10.

Tan solo pedía una escena de sexo gay entre Mike y Freddy...

La peli de terror más boluda del año 2/10

él pelotudo que cambia la foto a cada rato por memes doomposting si estas leyendo quiero que sepas que sos un virgo incogible, rescátate un toque boludo denso xddd

Nunca he sido muy adepto al cine de Aronofsky, su obra en la pantalla se caracteriza por ser deprimente y a veces hasta tortuosa con sus personajes. Esto en principio hizo que me sintiese totalmente ajeno a su cine, pero con el tiempo creo que he sabido comprender su filosofía. Aronofsky es alguien que filma con el corazón historias que buscan abrazar al espectador y hacerlos entender de su fragilidad. Muchas veces sus películas no buscan trasmitir un mensaje en concreto sobre aprender, si no más bien de comprender el estado de uno y la naturaleza autodestructiva del ser humano. La obra de Aronofsky es sobre drogas, enfermedades, narcisismo y sobre todo la muerte, y en eso va residir su obra más ambiciosa: La fuente de la vida.

Aronofsky buscó en este filme tratar de hacer algo nuevo en la ciencia ficción del cine, luego de ver cosas como Star Wars o Matrix. Su intención inicial era una un poco más ambiciosa, pues la película tendría un presupuesto mucho más alto y contaría con Brad Pitt de cara principal, por otro lado muchas ideas se quedaron afuera (y fueron retomadas en el comic inspirado por la película del mismo nombre). Aronofsky logro retomar la idea con el presupuesto recortado, y se propuso a terminar la obra.

La idea base del film es la lucha de un hombre contra la muerte y la búsqueda de la inmortalidad. La historia se fragmenta en tres partes; la historia de un soldado durante el siglo XVI en España durante la conquista de América, la historia de un Investigador médico del siglo 21, y la historia de un astronauta que viaja por el espació. Todas estas historias se caracterizan por ser narradas con los dos personajes protagónicos: Tommy e Izzy, una pareja que sufre la desgracia de tener que enfrentar el cáncer. Cómo podrán notas la película no se hace valer de una narrativa convencional, es bastante compleja y a más de uno deja con dudas sobre que fue lo que acaba de ver, es justamente esto último lo que hizo que la película fuese recibida con críticas mixtas, pues se interpreta que su narrativa es un despropósito. Bueno, déjenme decirles que no solo eso no es un buen argumento, si no que creo que las bases del film son lo suficientemente sólidas como para sustentar una narrativa tan poco convencional.

El primer gran error es interpretar que la película va sobre viajes en el tiempo. Muchos interpretan que la historia se trata de un hombre que posee la capacidad de viajar entre diferentes contextos de la historia, y aunque a primera vista puede parecer eso, la realidad es que la obra nos deja bastante en claro que no es el caso. El presente de la obra viene siendo el futuro, el presente el pasado, y la historia del conquistador es la obra que escribió Izzi titulada "la fuente" al igual que el filme. Una vez establecido esa interpretación, podremos descifrar con mayor precisión lo que la fuente busca contar.

La obra entrelaza dos posturas distintas, mientras que Tommy durante el siglo 21 busca desesperadamente una cura para el cáncer de su esposa, Izzy busca entender su propia vida. Tenemos entonces dos choques distintos a la hora de afrontar la muerte; uno de miedo y espanto, y otro de entendimiento y comprensión. Aronofsky para construir las bases filosóficas se posicionó en una idea como el sincretismo, pues podemos ver una constante simbología a la cultura Maya y las creencias ortodoxas como el Cristianismo. Por un lado para representar la cultura Maya Aronofsky tuvo inspiración del libro "memoria del fuego" del periodista Uruguayo Eduardo Galeano, que en su obra busca contar los mitos indígenas bajo la perspectiva de ellos, por otro lado toma el aspecto del árbol de la vida que se retrata en el génesis con el árbol del Edén, un místico árbol que conecta todas las formas de creación, y que de dicha idea se forma las bases del film, pues ahí reside su unión: la creación de nueva vida. La nebulosa Xibalba (el Inframundo Maya) es una estrella que muere con el tiempo, pero que de su muerte renacerá nueva vida, está metáfora de la idea de muerte es la esencia de toda la obra.

Nuestro protagonista es un hombre asustado, vive del miedo y observa a la muerte como enfermedad, como algo a superar y está visión es la que trae su infelicidad, pues es incapaz de ver algo hermoso en el ciclo natural de la vida. Un simbolismo constante en la obra son los círculos, pues representan la trayectoria inevitable de la vida y la muerte, esto representa la carga del protagonista que se simboliza con la perdida del anillo de su esposa. Izzy por otro lado es una mujer que debe aceptar su muerte o vivir con miedo como Tommy, ella comprende su mortalidad y aprecia esto, pues logra entender que la vida es un ciclo en dónde la muerte de uno no representa su desaparición en la existencia, si no que de ella nacerá nueva vida y su ser permanece en ella.

La obra de Izzy es un retrato de esta transición de mentalidad que tiene, pues la obra trata de un conquistador (Tommy) que debe salvar a la reina (Izzy) del gran Inquisidor que busca subyugar a España conquistando partes de la península ibérica y acabar con la vida de la reina que toma como hereje (el cáncer). La alegoría es clara, es Izzy retratando la lucha de su marido por encontrar el árbol de la vida (la cura) y salvar a España del control del Inquisidor. Todo esto queda inconcluso cuando Izzy comprende que la búsqueda del conquistador debe ser concluida por él, y por ese decide que la obra sea finalizada por su esposo, pues su valor debía ser comprendido por él.

La muerte de Izzy nubla la visión de Tommy lo destruye por dentro, podemos comprender que él no es capaz de entender y respetar la mortalidad, el retrato del anillo atormenta su mente y es la marca que deberá llevar por el resto de la vida. Luego de que Tommy consiguiera el árbol de la vida con sus avances usando los compuestos derivados del árbol de Guatemala que uso para la cura del cáncer, decide viajar a la nebulosa Xibalba para asegurar la resurrección del árbol. El Eternauta pasa una existencia de dolor en dónde consigue poner en orden su mente con prácticas de Tai Chi Chuan (una práctica físico-espiritual) y prolongar su vida usando el árbol, pues come cantidades pequeñas partes de corteza de él. De esa forma ha logrado viajar en el espacio, pero las visiones de Izzy aún lo atormentan y le exige que termine la obra. Tommy no es capaz de derrotar la muerte, y el árbol de la vida termina muriendo antes de llegar a la nebulosa Xibalba, por lo que la odisea espacial de nuestro protagonista no da los resultados que buscaba. El miedo de Tommy se hace entonces realidad, deberá afrontar la muerte, y aquí es cuando comprende que su viaje ha sido uno de auto entendimiento. Durante toda la película hemos visto que Tommy reniega de aceptar el ciclo natural de la vida, y está incomprensión es lo que no lo vuelve trascendente, pues Izzy será recordada y tendrá raíces, pero él no hasta que comprenda la muerte como acto de creación.

La obra de Izzy finaliza con la lucha de Tommy y su búsqueda, el conquistador derrota al líder maya con una visión del gran padre y encuentra el árbol de la vida. El árbol le daría vida eterna y de esa forma estaría para siempre con su Eva, por lo que decide curar su herida y luego beber toda la sabía del árbol, esto es una metáfora de la búsqueda de Tommy, pues al finalizar de beber el conquistador muere y da paso al nacimiento de flores que emanaron de su cuerpo. Tommy abusa de sus conocimientos médicos para alargar el ciclo, pero dicha arrogancia es la que lo impide crecer espiritualmente y dar paso a la vida, la verdadera reencarnación que es la nueva vida. Por eso al final de la película acepta su muerte, y se funde con la explosión del Xibalba, y muere recuperando el anillo de su esposa.

La historia se enaltece por una narrativa de Opera, pues aquí el trabajo musical de Clint Mansell comienza con ritmos pausados y lentos, para que al finalizar la película explote toda la fuerza musical que iba cargando la construcción narrativa. La poesía visual también es un detalle hermoso, con figuras simbólicas como los círculos o las ruinas del palenque, como también la estructuras que componen a España y la Selva de la Nueva España (Guatemala). Otro punto a detallar es la fuerza actoral que carga el filme, pues uno logra ver el cariño o el dolor de Tommy e Izzy que hay entre ambos gracias al excelente trabajo que ofrecen los dos actores. Las influencias New Age en su construcción de escenario y la puesta en escena de los efectos especiales hacen que el trabajo de Matthew Libatique tome una poesía que no he visto en películas actuales, una verdadera proeza en la fotografía.

Con todo lo anterior dicho puedo decir que entiendo si algunas personas siguen sin ver una razón justificable de la nota que le doy a la película, pero esto es quizás algo más personal mío pero es una película que me cambio mi visión de la vida. Soy una persona que ha tenido momentos difíciles en dónde la muerte atormentó a mis seres queridos, y lo veía como un castigo divino, algo a lo que debíamos evitar, pero está obra me ha hecho comprender que no debe haber miedo, que uno debe vivir la vida sabiendo que, aunque no sea eterno, la trascendencia se logra de otras forma que el mero hecho de perdurar en el tiempo. Esto que me aporta está película es algo que llevaré en mi corazón mucho tiempo, y no es algo que logra cualquier obra, y es por está clase de obras que apreció y valoro el arte en mi vida.

La historia de la fuente es una que no deja indiferente a nadie, es una obra que puede ser malentendida, amada, odiada u olvidada, pero es una película que se vive, y eso no es algo que se pueda ver todo el tiempo. El proyecto pudo ser cancelado, pero Aronofsky demostró ser un artista dedicado a lo suyo, y eso es digno de admiración. Finalizo así mi reseña diciendo que la fuente de la vida es para este servidor es una obra maestra del cine.

“Parece que luchamos toda la vida para volvernos completos. Pocos de nosotros alguna vez lo hacemos... La mayoría de nosotros terminamos saliendo de la misma forma en que entramos: pateando y gritando. La mayoría de nosotros no tenemos la fuerza o la convicción. La mayoría de nosotros no queremos enfrentar nuestros miedos”.

- Darren Aronofsky, Kent Williams

Nota: 10/10.